Pier Paolo Pasolini

Pier Paolo Pasolini

Appendice : Le manque de demande de poésie

La mancanza di richiesta di poesia

« Poésie en forme de rose (1961-1964) »/Poesia di forma di rosa, in Pietro II

 

 

Pier Paolo Pasolini, Chia (VT) 1975, © foto Dino Pedriali by ADAGP/SIA E 2006

 

 

Extrait :

Comme un esclave malade, ou une bête

j’errais dans un monde que le sort m’avait assigné,

avec la lenteur qu’ont les monstres

de la boue – de la poussière – ou de la forêt –

rampant sur le ventre – ou sur des nageoires

sans usage pour la terre ferme – ou des ailes faites de membranes…

Il y avait autour des remblais, ou des cailloutis,

ou peut-être des gares abandonnées au fond de villes

de morts – avec les rues et les passages souterrains

de la pleine nuit, quand on entend seulement

des trains épouvantablement lointains,

et des clapotis de canalisations, dans le gel définitif,

dans l’ombre qui n’a pas de lendemain.

Ainsi, tandis que je me dressais comme un ver,

mou, répugnant dans sa naïveté,

quelque chose passa dans mon âme – comme

si dans un jour serein le soleil s’obscurcissait ;

à la douleur de la bête haletante

une autre douleur s’ajouta, plus dérisoire et plus sombre,

et le monde des rêves se fêla.

« Personne ne te demande plus de poésie ! »

Et : «  Ton temps de poète est passé… »

« Les années cinquante sont finies dans le monde ! »

« Tu as connu ton automne avec les Cendres de Gramsci,

et tout ce qui fut la vie te fait mal

comme une blessure qui se rouvre et donne la mort ! »

 

 

***

 

Come uno schiavo malato, o una bestia,

vagavo per un mondo che mi era assegnato in sorte,

con la lentezza che hanno i mostri

del fango – o della polvere – o della selva –

strisciando sulla pancia – o su pinne

vane per la terraferma – o ali fatte di membrane…

C’erano intorno argini, o massicciate,

o forse stazioni abbandonnate in fondo a città

di morti – con le strade e i sotto passaggi

della notte alta, quando si sentono soltanto

treni spaventosamente lontani,

e sciacquii di scoli, nel gelo definitivo,

nell’ ombra che non ha domani.

Cosi, mentre mi erigevo come un verme,

molle, ripugnante nella sua ingenuità,

qualcosa passo nella mia anima – come

se in un giorno sereno si rabbuiasse il sole ;

sopra il dolore della bestia affannata,

si colloco un altro dolore, piu meschino e buio,

e il mondo dei sogni si incrino.

« Nessuno ti richiede piu poesia ! »

E : « E passato il tuo tempo di poeta… ».

« Gli anni cinquanta sono finiti nel mondo ! »

« Tu con le Ceneri di Gramsci ingiallisci,

e tutto cio che fu vita ti duole

come una ferita che si riapre e dà la morte ! »

 

 

Traduction Nathalie Castagné

Pier Paolo Pasolini, Je suis vivant

Pier Paolo Pasolini Je suis vivant

Editions Nous, 2011

 

 

Extrait : (Petite Préface Pasolinienne)

            Comme il est étonnant de bien considérer que ce livre s’est écrit en 1945 et 1947, entre vingt-trois et vingt-cinq ans : tant de nostalgie l’irrigue déjà – ce terrible sentiment que les émotions une fois vécues ne s’éprouveront plus jamais ; qu’il est définitivement vain de revenir sur les lieux aimés ; qu’à leurs places, un désert étendra son empire ; que la mort des sensations neuves est consommée. Et pourtant ! Il suffit une (autre) fois du cri d’un enfant pour saisir cette émotion profonde, incomparable, qui se traduit d’un mot : « je suis vivant ». Alors c’est tout un monde qui renaît : monde mythologique des jeux antiques et de l’enfance remémorée.

           

(p.11, Olivier Apert)

 

 

 

■ www.editions-nous.com

 

A l'Atelier Pictura...

Cycle de conférences

organisé à l’Atelier Pictura de novembre 2011 à juin 2012 sous la direction de Bruno Le Bail
 
 
 
Première conférence
L’urinoir de Duchamp
Dimanche, 27 novembre 2011 à 11 heures
Route d'Artignosc, 04500 St. Laurent du Verdon

 

 

 

 

Bruno Le Bail

 

François Lallier, Vita Poetica (par Tristan Hordé)

Une lecture de Tristan Hordé

 

 

FRANCOIS LALLIER

 

Vita Poetica

L’Arbre à Paroles, Amay (Belgique), 2010

 

On sait qu’en France l’enseignement des langues classiques se réduit chaque année, considéré comme peu rentable, sans utilité dans une société où l’argent et les biens qu’il procure sont devenus les "valeurs" dominantes.¹ Il existe encore, bien heureusement, des amoureux de l’Antiquité pour lire et relire les Grecs et les Latins, et ne pas penser que tout a été écrit à leur propos. François Lallier, poète et lecteur attentif de la poésie contemporaine² publie avec Vita poetica des analyses neuves des poètes latins de la fin de la République.

Cette plongée dans les temps anciens conduit à mettre au jour un moment où la relation entre l’écrivain et son œuvre se transforme ; changement des plus importants, une séparation entre les deux se construit : « Une biographie […] advient au poète, parce qu’il ne se confond pas avec son chant, mais porte un masque sous lequel apparaît une autre vie que celle que peint le poème » (p. 10). Un peu plus loin : « Dans le clivage des déguisements et de la personne, une « vie poétique » se fait jour, s’opposant à des rôles, des conditions auxquelles toutefois le poète n’est pas soustrait, précisément parce que l’exercice de la poésie n’est pas une condition, un métier moins encore, mais une construction, sinon une fiction, vécue et mise à l’épreuve selon le cours de l’existence commune. » (p. 11) Quelles conséquences ? Cette transformation implique l’élaboration d’un « mythe éthique », celui qui oppose le choix éthique (la vita poetica) du "pur amour" à la violence de la société et qui modifie en profondeur, notamment, le rapport du poète, de la poésie au politique. Ce mythe, on le sait, aura longue vie…

François Lallier analyse minutieusement quelques textes de Virgile, Horace et Catulle pour cerner et préciser son propos. Ce qui retient dans ces lectures, c’est la relation essentielle établie entre la recherche d’une fonction de la poésie et les événements que vivent les trois poètes. Pour eux, la poésie ne peut (ne peut plus) se définir par la seule écriture en vers ; certes, la perfection de la métrique est nécessaire et il suffit d’évoquer leur virtuosité pour en être convaincu, mais le poème ne peut se limiter à cela. En même temps, c’est la thématique de l’épopée qui est abandonnée ; Horace, par exemple, affirme son incompétence à manier le style épique pour vanter la politique d’Auguste, alors même qu’il prouve une éblouissante maîtrise du vers. C’est que le poète se refuse à mettre la tête dans le sable et à accepter la violence sociale, les injustices, la vilenie des ambitions, à faire comme si la « voix du monde » n’était qu’harmonie.

L’éloignement de l’épique, sa mise à l’écart même, par la réflexion sur les choses du monde, conduit parallèlement à construire une autre poésie qui deviendra une source majeure pour l’Occident. François Lallier suit des moments de cette élaboration et montre comment une poésie amoureuse se substitue au genre épique, comment l’exaltation du sentiment amoureux, de la passion humaine s’oppose à la Fable. Il ne s’agit évidemment pas d’un simple changement thématique. François Lallier dégage dans Virgile l’importance de la « musicalité intérieure aux mots » (p. 45). Le même soin est apporté dans l’étude des Noces de Thétis et de Pélée ; Catulle y laisse de côté la continuité narrative propre à l’épopée et adopte une composition toute différente en faisant se succéder des tableaux, modification lisible en particulier dans la description du voile nuptial. En même temps, ce qui importe, c’est la recherche d’une « émotion de la forme » (p. 72), qui naît d’un travail sur le matériau sonore. À propos de la danse des Ménades, l’analyse attentive de quelques vers fait apparaître comment le jeu des sons, le rythme visent à "peindre" la scène, à en restituer le mouvement, et à imiter par la langue quelque chose de l’accompagnement musical. Ce qui se dessine et se décide, c’est « une idée de la poésie dont on retrouvera sans peine, sous le thème mythologique, les grands axes que sont la centralité de l’amour et la quête tout ensemble ironique et ardente d’un sens au destin de la cité, entre le mystère salvateur et la funeste logique de la puissance. »

Le passage de l’épique à l’élégie, c’est d’une certaine manière l’affirmation que le poète n’est pas (n’est plus) au service d’un pouvoir. Catulle, par exemple, suit d’abord Callimaque de près, mais Les Noces de Thétis et de Pélée se concluent par une critique forte qui place le lecteur « au cœur du temps et du lieu où l’auteur écrit » (p. 76). Le monde de Catulle n’a plus ses dieux, sinon dans la Fable, et la poésie aura pour fonction première de « rendre à la visibilité [le] mystère de l’amour » (p. 76).

Je n’ai retenu de cette lecture savante, qui est aussi celle d’un poète, que quelques conclusions. Ponctuée d’extraits en latin traduits, suivie de traductions, elle conduit à reprendre avec un autre regard les œuvres des Latins — mais pas seulement : elle incite à réfléchir sur la tradition de la thématique de l’amour. Précisons que Vita poetica est le premier ensemble d’un vaste livre qui comprendra les chapitres suivants : Ut pictura, La vie divine, Les amours, L’horreur épique. 

 

© Tristan Hordé, Carnets d’eucharis n°30 (sept/oct 2011)

 

 

François Lallier, Vita Poetica

 L’Arbre à Paroles, Amay (Belgique), 2010

 

■ LE SITE DE FRANCOIS LALLIER :http://www.francoislallier.com/

---

1 Un rappel : "classique" reprend le latin classicus, « de première classe », appliqué aux citoyens, puis classici [sciptores] a désigné les écrivains de première valeur…

2 Je renvoie à La Voix antérieure II (Jouve, Jourdan, Michaux, Frénaud, Munier), 2010, La Lettre Volée, et à La Semence du feu, 2003, L’Atelier la Feugraie. F. Lallier a organisé le volume collectif Avec Yves Bonnefoy, De la poésie (P. U. de Vincennes, 2000) et co-dirigé le Cahier Roger Munier paru au Temps qu’il fait (2011) ; avec Géraldine Toutain, il a fondé en 2004, à Dijon, les éditions Poliphile (www.editions-poliphile.fr).

 

Mario Maffi (extrait d'un article, revue Conférence N°21)

Mario Maffi Blues de la mort par les eaux : souvenir de la Nouvelle-Orléans

Revue CONFERENCE, N°21, automne 2005

 

 

Extrait :

Des sources à l’embouchure, le bassin hydrographique du Mississippi était à l’origine un « système en équilibre ». Cela signifie que, au-delà des accidents occasionnels, le fleuve, ses affluents, les terres alentour étaient reliés par un réseau de forces qui s’équilibraient. En période d’étiage, le Père des Eaux s’écoulait entre les berges créées naturellement par les alluvions, alimentant ici et là de petits émissaires qui, au printemps, quand les eaux grossissaient, se chargeaient de leur donner d’autres issues. Dans les périodes de crue du cycle naturel (ou quand des inondations se produisaient), le fleuve débordait, recouvrait les terres basses des alentours et contribuait à les sédimenter et à les fertiliser, allant parfois jusqu’à s’étendre sur cinquante milles à l’intérieur des terres. Les populations indigènes, quant à elles, s’accommodaient de ces rythmes et alternaient nomadisme et vie sédentaire (il se peut même que certains des mounds, ces petites collines caractéristiques des cultures indigènes américaines, aient répondu à l’exigence de garder objets, récoltes et habitations dans une position élevée). Par la suite, quand arrivèrent les Européens, porteurs d’un germe de capitalisme destiné à se développer avec une impétuosité égale à celle des eaux du Mississippi, cet équilibre fut menacé. Le fleuve transformé en voie de communication et de commerce exigeait des ports et de petites localités sur ses rives, les terres fertiles devaient être parcellisées et réparties afin d’être vendues et achetées, cultivées et exploitées. C’est ainsi que les berges naturelles furent élevées (d’où leur nom de levées) et renforcées, et que d’autres, artificielles, vinrent s’y ajouter, bâties selon des systèmes de construction toujours plus sophistiqués ; les émissaires petits et grands furent tronçonnés et transformés tout au plus en petits lacs reconnaissables à leur forme en fer à cheval. Pourtant, le fleuve continua à rester indomptable : dès qu’il le pouvait, il changeait de cours, s’ouvrait d’autres voies, filait tout droit en éliminant tel de ses méandres (ce sont les célèbres cut-offs qui scellaient parfois le sort d’un village)…

 

(p. 52/53)

 

 

http://www.revue-conference.com/

 

Zbigniew Herbert - Le labyrinthe au bord de la mer

Zbigniew Herbert,Le labyrinthe au bord de la mer
Editions Le Bruit du Temps, 2011

(Sept essais illustrés - Traduction du polonais et avant-propos par Brigitte Gautier)

 

 

 

 

 

 

 

[…]

 

 

Au contact des œuvres du passé, nous voulons être sûrs de leur authenticité, sûrs que personne ne les a corrigées, que personne ne s’est mêlé de les embellir, de les parfaire, de les rendre plus compréhensibles. Nous souhaitons seuls, sans intermédiaire, jeter un pont par-dessus l’abîme du temps entre nous et les hommes et les dieux d’il y a plusieurs millénaires. N’étant pas un pur esprit, j’ai toujours cherché des traces matérielles, pour fonder une entente et une alliance. C’est pourquoi j’ai toujours été ému par les ornières des routes romaines, les marches des cathédrales usées par les pèlerins, le sceau du maçon dans la pierre.

 

 

III- Le labyrinthe au bord de la mer(p.42)

 

-------------------------

 

[…]

 

Celui qui viendrait ici avec la palette d’un paysagiste italien devrait abandonner toutes les couleurs suaves. La terre est brûlée par le soleil, rauque de sécheresse, couleur de cendre claire, parfois de violet gris ou de rouge violent. Le paysage n’est pas seulement devant les yeux, il est aussi de côté, dans le dos. On sent sa poussée, son encerclement, sa présence intense. Les grands arbres sont rares, à l’exception parfois d’un chêne majestueux : le Zeus des arbres. Des mottes de verdure sont accrochées aux versants, des petits buissons qui luttent férocement pour survivre. Au bord des routes, sur les collines plus douces : un olivier sauvage aux feuilles étroites, digitées, mouvantes, d’un vert argent par en dessous. Tout près du sol, du serpolet, du thym, de la menthe, aromates de la chaleur.

 

Essai de description du paysage grec (p.82)

 

 

-------------------------

 

[…]

 

Je considérais comme une chose naturelle de me sentir toujours incertain face aux chefs-d’œuvre. La loi positive des chefs-d’œuvre est de détruire notre présomptueuse assurance et de mettre en question notre importance. Ils s’appropriaient une partie de ma réalité, imposaient le silence, faisaient cesser mon affairement de souris autour de choses vaines et bêtes. Ils empêchaient aussi – comme dit saint Thomas More – que je me soucie trop de cette chose envahissante qui s’appelle le « moi ». S’il est loisible de parler de transaction, c’était la transaction la plus favorable de toutes. En échange de mon calme et de mon humilité, ils m’apportaient « du miel et de la lumière » que je n’aurais pu créer.

 

 

[…]

 

J’ai toujours souhaité croire que les grandes œuvres de l’esprit étaient plus objectives que nous. Et ce sont elles qui nous jugeront. Quelqu’un a dit fort justement que ce n’est pas nous qui lisons Homère, regardons les fresques de Giotto, écoutons Mozart, mais Homère, Giotto et Mozart qui nous regardent, nous écoutent et constatent notre vanité et notre bêtise. Les pauvres utopistes, les débutants de l’histoire, les incendiaires de musées, les liquidateurs du passé sont pareils à ces insensés qui détruisent les œuvres d’art car ils ne peuvent leur pardonner leur calme, leur dignité et leur froid rayonnement.

 

La petite âme (p.122/123)

 

 

 

 

■ ■ ■ Poète et essayiste, Zbigniew Herbert (1924-1998) est une figure majeure dans le paysage de la poésie polonaise du XXe siècle. 

■ CLIQUER ICI 

 ■ Revue de presse

■ A propos de l'auteur

 

 

 

 

 

 

 

 

LE BRUIT DU TEMPS

62 rue du Cardinal Lemoine
75 005 Paris
Téléphone : 01 43 29 62 50
[e-mail] 

 

Les carnets d'eucharis n°31

■■■

 

Les carnets d’eucharis n°31

Novembre/Décembre 2011

 

 

 

URIAN

Edith Magnan

Pierre Agnel  assis en retrait

Cathy Garcia Le poulpe et la pulpe

René Crevel Elle ne suffit pas l’éloquence

GERTRUDE STEIN lectures en amérique

PIERRE CHAPPUIS Muettes émergences

ZBIGNIEW HERBERT Le labyrinthe au bord de la mer

ILE ENIGER (Un coquelicot dans le poulailler)

CHRISTINE BAUER Galerie des traits/Dora Maar

Nathalie Riera & Marie Hercberg/ LE REALGAR EDITIONS

Jean-Pierre Faye Choix de poèmes lus par l’auteur

Walt Whitman … Paul Blackburn

Mireille Calle-Gruber, Claude Simon Une vie à écrire par Nathalie Riera

L’écriture féérique de Hilda Doolittle par Patrice Beray

Eucharis ou l’eucharistie littéraire de Nathalie Riera par Camille Loty Mallebranche

REVUE(S) Nu(e) – # 47 (Marie Etienne)

 

     

■■■

 

 

 

 Au format livre numérique/CALAMEO

Les carnets d'eucharis n°31 - Novembre&Décembre 2011

Publiez sur Calaméo ou explorez la bibliothèque.

 

---

Au format PDF

Les carnets d'eucharis n°31_Novembre&Décembre 2011.pdf

Sur les Carnets d'eucharis (par Camille Loty-Mallebranche)

Eucharis ou l’eucharistie littéraire

de Nathalie Riera

7 octobre 2011 par Camille Loty Malebranche

Site : Intellection

 

Tant intense et substantielle est la présence humaine de l’animateur culturel, tant opulemment esthétique est la communication de l’art. CLM

 

De nombreux sites excellents par leur contenu révolutionnent la chose littéraire en la faisant passer du rectangle de papier livresque à l’écran planétaire du web. J’en ai visités qui sont de purs chefs d’œuvre. Toutefois, avec Les carnets d’Eucharis de Nathalie Riera, cette intellectuelle à la sensibilité à la fois flamboyante et foudroyante, j’ai littérairement eu le coup de foudre.

 

Nathalie Riera a la grâce d’Artémis, et elle cultive les friches du web souvent agreste, par les richesses réelles de la littérature qu’elle porte au sommet sur le tabulaire virtuel d’internet. Elle dispense une culture abondante dans la lande des Carnets d’Eucharis. Elle anime le multivers de la littérature des genres comme une eucharistie littéraire, comme par liturgie - dans le sens étymologique et hellénique de ce lemme qui réfère au service public en deçà et au-delà du cultuel - avec un tel amour, qu’elle met notre conscience esthétique dans un incontournable figement contemplatif.   

 

Comme Diogène, Nathalie porte elle aussi la lanterne, mais pas pour chercher un humain dans la cité déshumanisée, car sa flamme n’existe que pour féconder par le littéraire et ses plus splendides saillies, l’humanité des lecteurs d’Eucharis…

 

■ LIRE LA SUITE...

Jean-Pierre Faye

Jean-Pierre FAYE,Choix de poèmes lus par l’auteur
Coédition Notes de Nuit/L’Harmattan, 2011

(Livre multimédia comprenant un DVD audio de 2h50′ de lectures, le texte des poèmes et un film de 40′)

 

 

 

 

 

 

[…]

 

 

Tu es ciel chargé par le suc

D’un long été tremblant de pentes, de verdure

Tout forgé de feuillage, jour

Abrupt de transparence, allié

Au soleil immergé des feuilles

Au feu fragile de la branche, au jour plus mûr

– Nourri de terres à distance, lac

Captif et eau arable dans le roc

Tu mêles tout bas sol et ciel

                            ici

Où la montagne éclate et s’ouvre, femme

Où crie le feu, halète la venue de vie

Et le labeur de terre ardente

La torsion du travail, qui sculpte

Un tressaillement simple d’avenir

Modèle une joie précise, dure, par la chair

Taillée dans la lumière vive

(Sourire aux yeux d’enfant humides)

Et la parole sourd, se ramifie aux lèvres douces

Alourdies de matin, mouillées d’amour, limées de soif

Vous vivez là, parole

Autour de moi, en un seul cri

Aube égouttée dans l’arbre en cassures d’oiseaux

Brisée à bout de branche

 

 

Silva plana

In Fleuve renversé (1960)-  (p.9)

 

-------------------------

 

D’amères nourritures

vont et viennent

devant facettes ou fibre

et griffe ou chitine violette

ou l’antenne oscillant, la tige

sur l’aine lisse de la ronce

et, fer brun, avance

la rape de fougère sur la prairie

dans l’odeur plus droite que l’ail

plus mouillée que le bois

ou les cris d’enfants brassés

– et cela entre ici et revient

le son avec le bruit

et l’encre des mûres, raidie

à la pointe, griffe et vision

et jus écrasé et coulée

ou tache sèche du tissu, durcie

ou ligne bleue et pliée

dans le bras, pente fléchie

juste là où le son est tiré

bouche, bouche que veux-tu

entre parler, boire et nager

ce qui te nourrit est entré

afflue ce qui est avalé

grisonne le lait diffusé

passe vite le soir plombé

– qui s’épand est vite effacé

qui dort est tôt disparu

 

La venue et l’allée

ont peine d’être perdues

– pour qui a peine en dormant

doit être la veine tranchée

 

Amère et dure la nuit

tige par tige à froisser

fibreuse et âpre à mâcher

avec du fer et du bruit

l’os et l’œil, l’herbe arrachée

tirant terre et cailloutis

fibre amère que veux-tu

suc et mousse, sang et vue

 

Herbe et peau se séparent

Pourtant, bouche et écorce

ou lumière ou vert contre bois

tige et tendon roulement

du bruit bondissant et tympan

coups au-dedans et rumeur

par le long de la soirée

et cette ligne qui va

tranchant soleil, et sombrée

 

ce qui va nourrir est distinct

 

Amère mangeaille, tu vas

approchant et inondant

enfournant boisson et chair

herbe et sable, voisinage

tu tires tempes et ventre

tu entres droit sur les yeux

si là-bas les ligues sont claires

 

lumière, tu vas t’éloignant

cisaillant les fonds de soirée

 

le vent trop large pour boire

la poussière a goût d’éclair

 

lumière, tu passes tout près

dans l’œil en coup de ciseaux

 

[…]

 

 

 

Plans du corps

In Verres (1979)-  (p.13)

 

 

-------------------------

 

n’emploie pas le nom

 

 

des choses car il abîme. Mais laisse

bouger poires pierres pourriture

. fleurs atroces féeries guaranies

ciel raconte le vide du monde

si tu t’endors où seras-tu

. ne t’endors pas mais ouvre

le  corps de bonheur aux vies flottantes

 

 

 

         la petite fille stupéfaite mange le charbon

de la nuit. elle mange le mouchoir de bois

elle engorge les soleils et mange des viandes de caillou

. et dessine sur l’envers arraché aux murs

elle bouge ventre et corps dans le mouvement

qui va être le transformant des mondes

. par elle entre en éclats par ça le vert et rouge

et la mise en feu le charbon du flottement

par ça qui la bouge elle éclatante de charbon

. je l’aperçois qui devient je la vois qui forme

elle mange les couleurs et les mélange au noir

buvant la fumée le noir la violence du vent

 

 

Rage donc

In Désert fleuve respirés (2004)-  (p.81)

 

 

-------------------------

 

je dirai

toute chose sur quoi s’ouvre regard

et la vue qui est devenue visage

quand il criait un monde

 

 

ce qui le liait au corps

pris à la gorge par d’autres

corps découverts et même

dénudés tout au long du chemin

dressés sur des cavernes de chiens égorgés

débouchant sur la mer par

le faucon qui rompt l’espace

et les guêpes de sang

 

                                               car elle

ne s’est pas donnée, mais elle

s’est fait prendre

                                      par

le vu, et par le

ressaut des choses

elle commence tassée sur les cris futurs

écrite sur un poème tiré poils contre

poils et fibreux en forme de chienne

mangeuse de taureau à l’œil rouge

épinglé à la voûte des éclats, et

aux rouleaux de la mer en fil de quartz

sur la pierre inestimable et le soleil purgé

du fait des plaisirs en son lit, contre

le corps le plus vif et le feu qui piège

toutes formes, hêtre et faine, agar et sara

hors de la ligature des soleils

je vous demande la poursuite d’empreinte

et la puissance d’outrer le plus vivant

par les filles couchées en océan, tramées

franchissant l’espace, non par

bateaux ou chemins, mais

par récit, contant une voix non connue

chemin de taupe et sans trace, autre

que le tas de terre friable écroulé

où s’écrie le cri inouï, l’empreinte

d’intention sur le son la contrainte violentée

par vautour ; corps plongé consumé

donné en fusions, mis en rivage

ravage, aboyé de rire

her wild hollow hoarlight hung to the height

and hoarwhore, là où

notre nuit déferle et achève

je commencerai à voir la face enfouie

dans l’ivre le commencement l’éclat

alors il va reparler encore, et

de l’hirondelle possédée

du tout premier visage, aussi

beau que l’enfant prêt à être

coupé en deux

 

 

Toute chose du monde

In Comme en remontant un fleuve (2010)-  (p.87)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Pour toute commande sur le site: [e-mail]

 

 

■ ■ ■ Né à Paris le 19 juillet 1925, Jean-Pierre Faye est écrivain, poète et philosophe français.

■ Biographie : http://www.jean-pierre-faye.net/biographie/

 

 

 

A paraître :

Novembre 2011: « Paul de Tarse et les Juifs »
éd. Germina

Janvier 2012: « Combat au-dessus du vide –pour une critique du ‘logocentrisme’ »
éd. Germina

Janvier/Février 2012: « Didjla le Tigre »
Réédition avec version audio lue par Bérangère Bonvoisin
L’Harmattan/Notes de Nuit

 

Dernières parutions :

  « Al FÂRÂBI, les desseins de la métaphysique »
 Texte bilingue présenté par Jean-Pierre Faye
Selefa

 

 

 

 

 

& autres poèmes

 

■ CARNETS D’EUCHARIS N°31

Novembre&Décembre 2011

(mis en ligne le 15 novembre 2011)

 

© Nathalie Riera – [e-mail]

Gunther Anders

ed. fario — 2011

L'obsolescence de l'homme - Tome 2

Sur la destruction de la vie à l'époque de la troisième révolution industrielle

 

Par Günther Anders

cHRISTOPHE dAVID (traducteur)

 

 

 

"Il ne suffit pas de changer le monde. Nous le changeons de toute façon. Il change même considérablement sans notre intervention. Nous devons aussi interpréter ce changement pour pouvoir le changer à son tour. Afin que le monde ne continue pas ainsi à changer sans nous. Et que nous ne nous retrouvions pas à la fin dans un monde sans hommes."

 

 

www.editionsfario.fr

Edith Magnan, Galerie du Tableau

Exposition du 17 au 29 octobre 2011

Vernissage le lundi 17 à partir de 18h 30

Du lundi au vendredi de 10h à 12h et de 15h à 19h.

Le samedi de 10h à 12h et de 15h à 18h

 

Galerie Du Tableau, 37, rue Sylvabelle

13006 MARSEILLE

[e-mail]

http://galeriedutableau.free.fr/

 

 

 

EDITH MAGNAN

 

Attention Espace

 « Attention Espace » vous présente une partie des derniers travaux d'Édith Magnan. Fascinée par le rapport de l’homme avec l’espace, l’artiste nous propose d’en expérimenter différentes catégories.

Ses travaux tentent de rendre compte d’un état de fait invisible, non quantifiable mais cependant omniprésent : l’espace et sa volumétrie toute particulière. Les éléments tels que : la pierre, le rocher, le bois, la terre font partie de cette singulière composition organique. Ils agissent ici comme des extractions, des échantillons, des prélèvements ; ils font un état des lieux.

Plusieurs collages et installations occupent l’espace de la galerie, que le spectateur est invité à activer en découvrant et en touchant les objets.

 

Le site Edith Magnan

 

 

Image : Pierres - paire trois, 2011.

Plastique, encre, gouache, pastels, 14.7x19.7cm

Gertrude Stein, Lectures en Amérique

Gertrude Stein Lectures en Amérique

Éditions Christian Bourgois, 2011

 

Extraits :

G. Stein avait une grande sensibilité aux problèmes de la perception et au rôle rénovateur de l’art.  Elle savait bien que l’habitude de voir et de sentir les objets empêche de les voir et de les sentir autrement et qu’il faut les déformer pour que le regard s’y arrête et y fasse apparaître d’autres possibles. C’est une leçon qu’elle avait surtout apprise de la peinture et sa compréhension de la littérature s’est faite au contact des tableaux des jeunes peintres du début du siècle. Chaque génération – selon sa propre terminologie – lève l’automatisme crée par les conventions artistiques de la génération précédente (…) Elle voit l’art comme procédé, ces procédés elle nous en parle ici et décide des siens, de ceux qui lui semblent convenir au XXe  siècle, elle les utilise pour en parler parce qu’on ne comprend bien les choses qu’en les faisant et en étant fait par elles.

« Introduction » par Claude  Grimal

(p. 16)

 

 

 

Comme je l’ai dit, m’étant de plus en plus familiarisée avec toute peinture à l’huile, je me suis, bien sûr, familiarisée de plus en plus avec nombre de tableaux précis, avec beaucoup de tableaux. Et, comme je le dis, quand on a regardé nombre de visages et qu’on s’est familiarisé avec eux, on peut trouver quelque chose de nouveau dans un nouveau visage, on peut être étonné d’un nouveau type de visage, on peut être choqué d’un nouveau type de visage, on peut l’aimer ou non ce nouveau type de visage, mais on ne peut pas refuser ce nouveau visage. On doit accepter ce visage pour ce qu’il est en tant que visage. C’est la même chose pour un tableau. Vous pouvez maintenant concevoir que, quand Matisse est survenu et puis le cubisme de Picasso, rien ne pouvait me déranger. Et pourtant bien sûr en un certain sens cela me dérangeait ; mais cela me dérangeait parce que je refusais.

Cela n’aurait pas été possible puisque j’étais familiarisée avec la peinture à l’huile, et que l’essence même de la familiarité consiste en la possibilité de tout regarder.

 

Gertrude Stein

(p. 81/82)

 

 

www.christianbourgois-editeur.com

 

 

Jean-Christophe Bailly, La véridiction...

Jean-Christophe Bailly La véridiction - sur Philippe Lacoue-Labarthe

Éditions Christian Bourgois, coll. "Détroits", 2011

 

 

Extrait :

S’il y a une joie, et une joie de l’œuvre, c’est-à-dire une réponse de l’œuvre à la fidélité  (à la vie, à la possibilité d’existence), elle est du côté de la musique. Il me semble que pour Lacoue, et on peut justement le penser à partir de l’excès de réalité qui tombe sur Lenz, la musique est seule à pouvoir donner, non la diction (même dans le pur chant, elle n’est pas proprement diction) mais la dictée elle-même : sous la forme d’un ruissellement se donnant dans l’évidence d’une forme qui sans fin se défait, la musique, alors même qu’elle est beaucoup plus technique encore que le langage, donne à qui l’écoute l’impression de s’être débarrassée de ce bagage et c’est comme si, et non pas brusquement, mais selon cette progressivité qui appartient en propre au nouement temporel du musical, un accès à l’immédiateté (cet accès même que Hölderlin jugeait impossible) était ménagé. A l’immédiateté, c’est-à-dire au temps, à l’expérience dénouée du temps, au pur passage. Ce qui veut dire que la musique accorderait (rarement peut-être, rarement sans doute, mais peu importe) ce qui normalement n’est pas accordé à l’homme, c’est-à-dire, selon une expression que Lacoue affectionnait, qu’elle passerait l’homme, et qu’elle le ferait et ne pourrait le faire, étant aussi strictement humaine, qu’en passant par lui.

 

(p. 47/48)

 

 

Collection « Détroits » fondée par Jean-Christophe Bailly, Michel Deutsch et Philippe Lacoue-Labarthe

Illustration de couverture : Tournage de Andenken, Bordeaux, la Garonne, 2000 (détail)

 

www.christianbourgois-editeur.com

Nathalie Riera, Marie Hercberg - Feeling is first, 2011

Galerie Le Réalgar

23, rue Blanqui – 42000 Saint-Etienne

06 87 60 22 34

[e-mail]

http://www.lerealgar.com/

 

 

 

 

 

 

« Feeling is first »
Poème de Nathalie Riera
Illustrations de Marie Hercberg
Quatrième opus de la Collection "1 et 1" : un artiste et un écrivain

Pour se le procurer, contacter la galerie au 06 87 60 22 34 ou à[e-mail]

Prix: 4€

 

Galerie la non-maison

LA NON-MAISON

CONTREVOIES [1]

 

 

bande à part / jean-luc godard / 1964

 

 

 

EXPOSITIONS ET RENCONTRES  DU 15 OCTOBRE AU 31 DECEMBRE 2011

 

 

 

 

Galerie LA NON MAISON, 22, rue Pavillon 13100 Aix en Provence

galerie / résidence [43.5]

tél : [phone]

Galerie ouverte du jeudi au samedi de 14H à 19H et sur rendez-vous

Galerie la non maison

 

 

 

Guy Allix, survivre et mourir

Festival de la parole poétique, Quimperlé, photo de Yann de Keyser, 2011 © Guy Allix

---

 

Même si tout au bout s’effondre la main qui

l’a porté, il reste ce geste à l’infini.

Le vrai de toi qui s’imprime dans un souffle.

La rumeur à l’œuvre de ton corps.

 

 

 

 

Ile précaire

 

A Guénane

 

Mais cela même

Ton nom sur la page

Comme une île infiniment

Comme une île tout au bord

 

Le temps à peine…

 

L’écriture comme un regard

            S’injecte du sang nécessaire au souffle

 

Ton cœur s’écarquille aux quatre vents

 

                        Ile de Groix, été 2007.

                                     

[…]

 

 

 

 

Partir sans plus de bruit qu’une feuille morte

Abandonner le temps enfin

Retrouver les fruits de la terre dans la terre

 

Ton ventre s’étonne d’un oubli

 

L’arbre te recommence

 

 

Si ce n’est le sang aux tempes

Comme un souffle vain

Si ce n’est la paupière

Sur l’épaule d’un jour

Si ce n’est le fruit

Comme un œil fatigué

 

C’est alors le dernier mot

Sur le parchemin de vivre

 

                  

 

Guy Allix, « Survivre et mourir», éd. Rougerie, 2011

 

 

Le site Guy Allix 

 

Lutz Dille

Stephen Bulger Gallery

Lutz Dille, MoMa, NYC 1959-2004 - Gelatin Silver print, 12x16 inches

 

Jean-Philippe Rossignol (une petite note de Claude Minière)

Jean-Philippe Rossignol Vie électrique

Editions Gallimard, coll. L’Infini, 2011

 

Une « odyssée » en trente jours, chacun d’eux apportant une menace, une chance, une décision, une rencontre et une séparation. Ce n’est pas une barque qui danse dans les ondes mais une vie… Quelques auteurs (au fond un petit nombre) sont capables de vous persuader que la forme-roman recèle des ressources inattendues.  Inattendues non dans le choix du « sujet » mais dans le mode d’entrelacement vie/ lectures/ pensée, là sur la page, par l’énergie des coupures et liaisons.

 

Claude Minière, octobre 2011

Les carnets d'eucharis

MIREILLE CALLE-GRUBER/Claude Simon Une vie à écrire

Une lecture de Nathalie Riera

 

 

 

MIREILLE CALLE-GRUBER

Claude Simon Une vie à écrire

(Biographie/Seuil, 2011)

 

 

Notes

Extraits

 

 

 

 

Source internet © Claude Simon

  

 

« Claude Simon, ce sera cela : une vie à écrire et réécrire. Pour que les informes affects du deuil prennent forme au travail de la langue et que le livre trace le dessin d’une vie »

Mireille Calle-Gruber

 

 

 

 

« Je crois qu’il y a une extraordinaire nouvelle de Borges où il raconte qu’un architecte paysagiste dessine un parc avec des statues, des pavillons, des petits lacs, des allées. Quand le parc est fini, il s’aperçoit qu’il fait son propre portrait. Je trouve que c’est une parabole admirable. On ne fait jamais que son propre portrait »

 

Claude Simon[1]

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

LE DESSIN D’UNE VIE

 

 

                        « Il est à jamais le cavalier éperdu de la route des Flandres, et depuis le loin, aux bords du XX^e siècle, notre contemporain le plus aigu et le plus vigilant.

                        Il nous aura enseigné la lenteur hallucinée de l’écriture en ses transports métaphoriques, l’humilité de l’artisan, la main à l’œuvre, la peine et l’existence ailée de la littérature».[2]

 

 

 

Comment rendre compte d’une vie elle-même déjà écrite par Claude Simon ? confie Mireille Calle-Gruber à Alain Veinstein. Faut-il juste y voir un pari audacieux, celui de s’essayer à l’écriture biographique comme à un « nouveau genre, un nouvel exercice, une nouvelle expérience » ? Ou alors y percevoir comme une dette à l’égard d’une œuvre et d’une personne que vous avez bien connue ? Outre que M. Calle-Gruber aura eu le privilège d’une relation sans failles et d’une amitié extraordinaire tout au long des seize dernières années de la vie de « Claude Simon l’écrivain immense » et de l’homme d’exception, ce qu’il faut surtout entendre des raisons de ce monument biographique : « comme une intimation à écrire – car ce fut, oui, aussi, soudain, l’évidence intérieure d’un « il faut » - écrire, la biographie de Claude Simon, ce défi absolu… ». [3]

440 pages « entre enquête et fiction », à partir de lettres, de documents, de témoignages, autant d’éléments tangibles pour un travail d’interprétation et de savoir qui incombe à l’écrivain-biographe. La littérature ne se posant ni en termes de vrai ou de faux, il s’agit pour M. Calle-Gruber de « tirer des diagonales que j’espère aussi vraies que possible ». Et par cette biographie, non pas monumentaliser Claude Simon, mais le rendre vivant !

 

M. Calle-Gruber travaille sur l’œuvre de Claude Simon depuis de nombreuses années, ayant entre autres participé à l’édition de La Pléïade, avec notamment « Le récit de la description ».[4] Elle publie en 2008, aux Presses Sorbonne Nouvelle, Les Triptyques de Claude Simon ou l’art du montage présentant des inédits : scenarii, découpages techniques, correspondances, textes, manuscrits, plans de montage, entretiens, films, photographies (DVD).

 

***

 

De sa naissance à Madagascar, Tananarive, le 10 octobre 1913 jusqu’à son décès à Paris le 6 juillet 2005, Claude Simon aura traversé un XX^e siècle de violences et de péripéties. Longtemps, il portera le « traumatisme du survivant » :

 

                        « « Survivant, Claude l’aura été à plus d’un titre. D’abord de ce frère aîné (…) Puis du père, mort au champ d’honneur (…) dans l’hécatombe de 1914, le 27 août (…) Puis de la mère qui succombe à un cancer, le 5 mai 1925, alors qu’il est dans sa douzième année, le laissant seul, tragique descendant d’une famille fantomatique et le dernier porteur du nom des Simon qui ont fait souche à Arbois, Jura ».[5]

                               (…)

                               « … une fois encore le survivant de son régiment anéanti lors de l’offensive allemande de mai 1940 ».[6]

 

Plusieurs périodes de la vie de Claude Simon sont relatées : son parcours scolaire au Collège Stanislas, à Paris, en 1925 (année du décès de sa mère, Suzanne Simon) ; son incorporation au 31^ème régiment de dragons (1934) ; témoin d’une révolution : la guerre civile à Barcelone (1936) ; son voyage dans l’Europe au printemps 1937 « à travers des pays au bord de la guerre, l’Allemagne, la Pologne, l’URSS jusqu’à Odessa, puis le retour sur Paris, par la Turquie, la Grèce et l’Italie »[7] ; sa captivité (suivie de son évasion) au camp Stalag IV B, à Mühlberg, le 27 mai 1940. Ce seront autant d’évènements éprouvants qui vont nourrir son œuvre romanesque, en même temps qu’ils agiront sur la conscience et la maturité politique de Claude Simon.

 

                        « Comme pour son comportement pendant la guerre d’Espagne et pendant la seconde guerre mondiale, Claude Simon a toujours veillé à la sobriété du récit concernant son rôle dans la Résistance, craignant l’interprétation hyperbolique, voire la surenchère des clichés. Il s’est ainsi efforcé de rappeler qu’il était « bien sûr antiallemand et surtout anti-nazi mais ne brûlant pas d’un héroïque patriotisme » … ».[8]

 

***

Pour qui n’ignore pas « son intelligence d’observation sur le vif des situations » et sa sensibilité visuelle, au début des années 30 Claude Simon est étudiant en cubisme, découvre le surréalisme au cinéma (avec l’œuvre de Luis Buñuel). L’expérience de la peinture se révélant « décisive pour sa conception du travail d’écrivain : il sera celui qui écrit avec l’exigence de composition du peintre, et suivant une sensibilité rare aux matières et aux couleurs ».[9]

 

L’abandon de la peinture au début des années 50, une plus large place sera ainsi donnée à la littérature. Lectures des deux géants que furent Proust et Joyce, leçons d’écriture chez Dostoïevski, il s’ensuit que l’écrivain pour Claude Simon est celui qui – ce seront ses propres dires lors du Discours de Stockholm – « progresse laborieusement, tâtonne en aveugle, s’engage dans des impasses, s’embourbe, repart – et, si l’on veut à tout prix tirer un enseignement de sa démarche, on dira que nous avançons toujours sur des sables mouvants ».[10] Un demi-siècle d’écriture, comme une raison de vivre indiscutable, tout en affrontant et se relevant des périodes les plus noires, celle de la guerre meurtrière, (dont les scandaleux évènements des deux journées du 16 et 17 mai 1940 relatés par l’écrivain dans une lettre du 17 février 1993), puis celles de la maladie et du suicide de sa première épouse Renée Lucie Clog.

 

L’écriture chez Claude Simon c’est une écriture en autodidacte, mais c’est aussi cette réalité de l’écriture, telle qu’on peut la lire dans sa préface à Orion Aveugle :

 

                        « Avant que je me mette à tracer des signes sur le papier, il n’y a rien, sauf un magma informe de sensations plus ou moins confuses, de souvenirs plus ou moins précis accumulés, et un vague – très vague – projet ».[11]

***

 

Autre volet de cette passionnante biographie, celui des années de « compagnonnage » et des années d’opposition au Nouveau Roman.

Si la littérature a ses sujets de discorde, ce qui noue Claude Simon à la littérature, et plus exactement au plaisir de l’écriture, ce n’est jamais selon Mireille Calle-Gruber qu’une « indéfectible alliance avec le vivant ». Il s’agit de n’être attaché à aucun camp, à aucune théorie littéraire, préserver son autonomie d’écrivain, et veiller à ce que la fonction littéraire ne soit en aucune manière prétexte à une fonction sociale ou autrement agissante à des fins politiques. M. Calle-Gruber reprend alors le différend qui opposait l’écrivain Claude Simon au philosophe militant Jean-Paul Sartre ; Sartre, dont l’imposture et la démagogie du il importe peu que la littérature soit dite ou non « engagée » : elle l’est nécessairement déclencheront une série de confrontations, à commencer lors de la table ronde organisée par l’Union des étudiants communistes en 1964 sur le thème « Que peut faire la littérature ? » rassemblant les intellectuels et les Nouveaux Romanciers, parmi lesquels Alain Robbe-Grillet accusé par Sartre de ne pouvoir être lu dans un pays sous-développé. Claude Simon, qui sera un temps assez proche des idées du Nouveau Roman, marquera alors son opposition au positionnement idéologique du philosophe, notamment dans le fameux « Pour qui donc Sartre écrit ? » (L’Express, 28 mai 1964, p.32)

 

Une vie d’écrivain n’est-ce pas aussi pour Claude Simon de faire face, sans la moindre complaisance et non sans une certaine ironie mordante, aux griefs éditoriaux, médiatiques, aux critiques retorses et assassines, et autres « violences passionnelles » du monde littéraire.

Après moult controverses qui l’éloigneront du Nouveau Roman, un autre feu de discorde : celui d’avoir signé la fameuse Déclaration sur le droit à l’insoumission dans la Guerre d’Algérie,[12] signature qui sera suivie d’une inculpation de l’écrivain en octobre 1960.

N’est-ce pas une certaine éthique qui donnera à Claude Simon de faire cavalier seul, son autonomie à jamais préservée par l’écriture de romans (tous reconnus comme de véritables chefs-d’œuvre) et par maints déplacements, en France et à l’étranger, liés à une activité effrénée de conférencier.

 

Quand Alain Robbe-Grillet affirmait que la meilleure récompense pour un écrivain jugé illisible est d’être lu, n’y a-t-il pas eu meilleure récompense pour Claude Simon que l’attribution du Prix Nobel de Littérature, et à l’occasion de son allocution prononcée devant l’Académie suédoise (les 9 et 10 décembre 1985) de mesurer l’émotion de l’écrivain à l’entendre dire :

 

                        « Je suis maintenant un vieil homme, et, comme beaucoup d’habitants de notre vieille Europe, la première partie de ma vie a été assez mouvementée : j’ai été témoin d’une révolution, j’ai fait la guerre dans des conditions particulièrement meurtrières (j’appartenais à un de ces régiments que les états-majors sacrifient froidement à l’avance et dont, en huit jours, il n’est pratiquement rien resté), j’ai été fait prisonnier, j’ai connu la faim, le travail physique jusqu’à l’épuisement, je me suis évadé, j’ai été gravement malade, plusieurs fois au bord de la mort, violente ou naturelle, j’ai côtoyé les gens les plus divers, aussi bien des prêtres que des incendiaires d’églises, de paisibles bourgeois que des anarchistes, des philosophes que des illettrés, j’ai partagé mon pain avec des truands, enfin j’ai voyagé un peu partout dans le monde … et cependant, je n’ai jamais encore, à soixante-douze ans, découvert aucun sens à tout cela, si ce n’est, comme l’a dit, je crois, Barthes après Shakespeare, que « si le monde signifie quelque chose, c’est qu’il ne signifie rien » - sauf qu’il est. »[13]

 

 

 

 

Nathalie Riera, octobre 2011

Les carnets d'eucharis

 

 

 

 

 

---

[1] (Note [80] sur Le Jardin des Plantes, Gallimard/La Pléiade, 2006 – p. 1501)

[2] Mireille Calle-Gruber, Claude Simon Une vie à écrire, Editions du Seuil/Biographie, 2011 -  p. 440

[3] France-Culture :Alain Veinstein reçoit Mireille Calle-Gruber, - auteur de Claude Simon. Une vie à écrire (Seuil) http://www.franceculture.com/player?p=reecoute-4299317#reecoute-4299317

[4] Mireille Calle-Gruber, Le récit de la description (ou de la nécessaire présence des demoiselles allemandes tenant chacune un oiseau dans les mains, Gallimard/La Pléiade, 2006 – p. 1527

[5] Mireille Calle-Gruber, Claude Simon Une vie à écrire -  p. 11

[6] Ibid., - p.12

[7] Ibid., - p.91

[8] Ibid., - p.157

[9] Ibid., - p.153

[10] Claude Simon, Discours de Stockholm, Gallimard/La Pléiade, 2006 – p. 902

[11] Claude Simon, Préface à Orion Aveugle (1970), Gallimard/La Pléiade, 2006 – p. 1181

[12] Mireille Calle-Gruber, Claude Simon Une vie à écrire -  p. 263

[13] Claude Simon, Discours de Stockholm, Gallimard/La Pléiade, 2006 – p. 897/898

 

 

 

 

 

Mireille Calle-Gruber est Professeur à La Sorbonne Nouvelle - Paris III en Littérature française, et directrice de l’Equipe de Recherche « Etudes Féminines » (Paris VIII - Paris III). http://fr.wikipedia.org/wiki/Mireille_Calle-Gruber

 

 

 

■ SITES A CONSULTER :

 

France-Culture/Du jour au lendemain Alain Veinstein (09/09/11) : http://www.franceculture.com/player?p=reecoute-4299317#reecoute-4299317

Editions du Seuil : http://www.seuil.com/livre-9782021009835.htm

 

 

 Document PDF 

Jean-Jacques Breton et Dominique Williatte - Trésors insolites des Musées de France

Lecture critique de Claude Darras 

Trésors insolites : un livre d'art et de curiosités

---

 

J’ose prétendre que cet ouvrage-là est un livre d’exception. Il n’en copie aucun autre et il mériterait à coup sûr d’être imité. Jean-Jacques Breton et Dominique Williatte, ses auteurs (attachés à la Réunion des musées nationaux), ont parcouru la France des musées à la recherche d’œuvres diverses, peinture, dessin, sculpture, tapisserie, architecture, mobilier, gravure, des objets remarquables dont ils ont souhaité raconter l’histoire. Les critères de sélection postulent de divulguer des anecdotes inédites, étranges, surprenantes, insolites ; aussi les découvertes les plus inattendues sont-elles offertes au lecteur au gré d’un parcours muséal (150 lieux) jalonné de 201 œuvres originales que ce beau livre de curiosités dissèque pour mieux expliciter.

En parfaits iconoclastes, nos deux guides associent une érudition de bon aloi à une fantaisie pétillante. Savamment argumentée, l’analyse critique des « Trésors insolites des musées de France » épingle la sacro-sainte postérité, coiffe du bonnet d’âne des historiens trop zélés, corrige plus d’une interprétation gravée dans les dictionnaires et réhabilite des petits ou de grands maîtres que les caprices de leurs contemporains ont effacés de la mémoire patrimoniale. 201 œuvres insolites ? L’embarras du choix préside à la constitution d’un florilège. Tentons néanmoins l’exercice.

Conservée au musée des beaux-arts d’Agen, une huile sur bois, « Le Garrot », est longtemps attribuée à Francisco de Goya alors qu’elle est l’œuvre d’un de ses élèves, Eugenio Lucas y Velázquez (1817-1870). Émile Zola défend l’actrice et sculpteur Sarah Bernhardt (1844-1923) contre Auguste Rodin qui fustige la seconde passion de la sociétaire de la Comédie-Française : le musée des beaux-arts de Dijon rejoint le camp des zélateurs en acquérant un bronze de l’actrice, « Le Fou et la mort » (musée des beaux-arts Dijon). C’est un critique d’art et collectionneur allemand, Wilhelm Uhde, qui met au grand jour les œuvres naïves, dont « L’Arbre du Paradis » (musée d’art et d’archéologie de Senlis), qu’une femme de ménage exécute la nuit en psalmodiant des cantiques : Séraphine Louis (1864-1952). Avec le « Portrait de Meg Steinheil » (musée Bonnat à Bayonne), Léon Bonnat (1833-1922) donne à voir la courtisane (et femme de peintre) dans les bras de laquelle le président de la République française Félix Faure rend le dernier soupir le 16 février 1899. Détenu par le musée du Louvre, « L’Intérieur d’une cuisine » du peintre français Martin Drolling (1752-1817) utilise comme liant pigmentaire des… cœurs royaux momifiés. Chargé de détruire les cœurs embaumés de souverains (dont le Régent, Henriette d’Angleterre, Louis XIII et Louis XIV), l’architecte Petit-Radel vend certains des organes royaux aux peintres Martin Drolling et Alexandre Peau qui s’en servent dans leurs mixtures à l’exemple de confrères qui pilent les restes de momies égyptiennes afin d’améliorer leurs glacis… Sulfureuse peinture à l’huile de Fernand Le Quesne (1856-1932), « La Légende de Kerdeck » (musée des beaux-arts de Quimper), campe un joueur de biniou résistant sur son rocher à l’assaut d’une cohorte de lavandières s’ébrouant impudiques et nues dans l’océan ; le peintre est le fils du sculpteur Eugène Louis Le Quesne connu pour la statue de la Bonne Mère au faîte de Notre-Dame-de-la-Garde à Marseille. Passionné par la science héraldique, Louis XIV est perspicace à déchiffrer les « armoiries parlantes », ces blasons qui posent un rébus ou jouent sur une homophonie. L’un d’eux plaqué en façade du musée de l’Armée, aux Invalides, à Paris, irrite le Roi-Soleil parce que son ministre de la guerre en est la vedette : une tête de loup chapeaute une lucarne ronde et cela se déchiffre « Loup – voit », c’est-à-dire « Louvois ». Charles Le Brun (1619-1690) étonne par ses études physiognomoniques qui visent à mieux connaître le caractère de l’homme à travers les traits communs l’appariant aux animaux ; « Trois Têtes de corbeaux » (lavis, musée du Louvre) affiche une singulière ressemblance entre l’homme bestialisé et l’animal humanisé. Le tympan de pierre de l’abbaye de Saint-Géry au Mont-aux-Bœufs intitulé « La Mort de Pyrame et Thisbé » (musée des beaux-arts de Cambrai) rappelle le suicide de jeunes babyloniens qui s’aiment depuis l’enfance mais que la volonté parentale entend séparer. La légende est rapportée dans les Métamorphoses d’Ovide qui a d’ailleurs inspiré William Shakespeare pour Roméo et Juliette (1595). Outre une sculpture d’inspiration analogue conservée à Cologne, ce tympan est le seul exemple connu au monde dans l’art chrétien de représentation du suicide, un acte proscrit par l’Église. L’espace Paul-Bedu de Milly-la-Forêt (Essonne) abrite « Et le soleil s’endormit sur l’Adriatique », une huile sur toile de Joachim Raphaël Boronali qui est en fait l’âne du père Frédé, patron du cabaret montmartrois Le Lapin à Gill. Le 8 mars 1910, devant huissier, le romancier Roland Dorgelès (1885-1973) installe une toile vierge près du postérieur de l’âne et attache une brosse à la queue de l’animal qu’il trempe successivement dans des pots de peinture. Des remuements de l’extrémité caudale du baudet naissent un graphisme et un chromatisme inattendus que les plaisantins baptisent Coucher de soleil sur l’Adriatique et signent Boronali, anagramme d’« Aliboron », celui qui croit savoir tout faire, en fait l’âne des Fables de La Fontaine. « Une dendrite », exposée au musée Bertrand de Châteauroux témoigne de l’intérêt porté par l’écrivain George Sand (1804-1876) aux arborescences dessinées dans la roche qu’elle tente de figurer en écrasant entre deux cartons de bristol des couleurs à l’aquarelle : déplié, le support laisse imaginer un univers fantastique de formes naturelles. L’abbaye Saint-Louis-du-Temple à Vauhallan renferme une collection de… « Marrons sculptés » dus à Mère Geneviève Gallois (1888-1962). Formée aux beaux-arts de Montpellier, la religieuse modèle vers 1945-1950 ces figurines d’art brut leur insufflant l’humour corrosif des dessins de sa Vie du petit Saint Placide. Longtemps, la sanguine sur papier de Jean Baptiste Greuze (1725-1805) conservée au musée Girodet de Montargis garde l’appellation « Portrait de vieille femme » jusqu’à ce que des recherches déterminent qu’il s’agit en fait du « Portrait mortuaire de Denis Diderot sur son lit de mort ». En fait, le corps du philosophe est autopsié en 1784 et son crâne découpé, ce qui laisse à penser que le drap ceignant la tête ait été associé à un attribut féminin, d’où l’erreur du titre originel. Le musée de la Renaissance à Écouen attribue la « Nef-automate dite de "Charles Quint" » à Hans Schlottheim d’Ausbourg (1545-1625). Primitivement achetée par l’empereur Rodolphe II, l’horloge-automate est un des trésors de l’orfèvrerie horlogère de la Renaissance (XVI^e siècle). Ses sept mécanismes déclenchent une infinité d’automatismes : l’émission du roulis et des jeux d’un orgue, l’action de quinze joueurs de trompette, deux joueurs de tambour, quatre matelots et deux vigies, la frappe d’une cloche aux heures et aux quarts par deux personnages et l’explosion d’une salve de canons ; également représenté dans ce chef-d’œuvre de laiton doré, de fer et d’émail, Charles Quint incline son sceptre et tourne la tête tandis que les sept électeurs du Saint Empire exultent en remuant têtes et bras !

Si j’incitais à l’imitation d’un tel ouvrage en préambule, c’est parce qu’il constitue un excellent passeport à l’univers des formes pour le néophyte, au-delà de l’intérêt documentaire et historique qu’il représente pour le spécialiste. Le langage muséal, parfois bien mystérieux, est gommé au profit d’une interprétation pédagogique et ludique qui ouvre au lecteur de nouveaux territoires. Les œuvres n’en continuent pas moins de stimuler son imagination et d’exciter sa curiosité.

Claude Darras

Les carnets d'eucharis, 2011

 

---

 

 

Trésors insolites des musées de France, par Jean-Jacques Breton et Dominique Williatte (éditions Flammarion, 35 €). L’œuvre montrée ici est l’« Autoportrait en trompe l’œil » de Jean-Marie Faverjon, un jeu cérébral et visuel qui rappelle l’autoportrait de Murillo à la National Gallery de Londres.