Deux artistes brésiliens à Nice - Galerie Depardieu

Communiqué de presse

 

Exposition jusqu'au 20 juin 2009

« Deux artistes brésiliens à Nice »

Susana Dobal, photographies

&

Luciano Figuereido, peintures

 

 

 

I) – Le monde secret de Luciano Figueiredo

 

Luciano Figueiredo crée patiemment, tel un logicien construisant un argument, un univers pictural clos et cohérent constitué de formes, de surfaces et de couleurs dans leurs rapports réciproques.  L’observateur attentionné ne manquera pas de percevoir l’activité effrénée dans ce monde de plans, de pleins, de vides qui vivent leurs palpitantes relations tantôt commensales, tantôt symbiotiques ou co-dépendantes. Seuls les rapports hiérarchiques sont absents, peut-être proscrits par la réglementation interne.

L’entreprise picturale de Luciano Figueiredo se base sur une réflexion rigoureuse. Chaque tableau démontre sa volonté de faire de la peinture sans liens avec le monde des apparences extérieures, et n’ayant rien de commun avec celle qui découle de la conception figurative. Ce parti pris insère Luciano Figueiredo dans une tradition moderniste de peinture non objective. Si l’art concret a nourri sa réflexion, il n’est pas néanmoins un suiveur intégriste de ce mouvement qui affirmait que l’œuvre d’art « doit être entièrement conçue et formée par l’esprit avant son exécution » car il raconte volontiers le processus qui l’amène à composer son tableau avec des formes redéployées par tâtonnements successifs.

Pas intégriste, Luciano Figueiredo est un pratiquant très intègre de cet art qu’on étiquette d'abstrait, non figuratif ou non objectif. Les signataires du manifeste Base de La Peinture Concrète prétendaient que le tableau « n’a pas d’autre signification que lui-même. » Cette définition pourrait aussi bien s’appliquer à l’œuvre de Luciano Figueiredo si l’intégrité de son système de peinture n’était pas le garant d’une excitation visuelle qui semble d’emblée niée par cette description presque tautologique.

La prémisse régulatrice de ce système structuré par des règles qu’on devine au fil du regard se résume : pas d’illusionnisme. Bannies les techniques de re-représentation du monde. Que se passe-t-il dans ce cosmos constitué exclusivement de toile et de couleur ? Autant d’événements qu’on prendra la peine d’observer. Certains sont purement optiques : les juxtapositions de couleurs qui confondent la rétine et nous démontrent la réalité des théories de Johannes Itten. D’autres sont physiques : l’absorption du pigment par la toile va influencer la matière et faire en sorte qu’elle se rebiffe plus ou moins du plan pictural. Soumises à la lumière, ces projections créent des ombres.

À force de faire le va-et-vient entre des données d’apparence si simples et des expériences sensibles multiples, on est vite dépassé par les événements. Voilà tout le secret d’un art discret et pudiquement ambitieux.

Rachel Stella, Saorge, avril 2009

 

Ouvrage disponible à la galerie : Fage éditions Varia, Luciano Figueiredo « Du journal à la peinture » Chris Dercon, Marcelin Pleynet, Frédérique Verlinden, 128 pages, 22 €.

 

II) - Susana Dobal : « Déplacement »

 

La photographie se caractérise par la captation de moments, de tendances et d'identités. Au cours de sa courte histoire - seulement 160 ans ! - la photographie a connu plusieurs changements technologiques. Avec l'informatisation et la digitalisation, l'altération et le traitement photographique sont devenus accessible aussi bien au professionnel qu'au public. Cela offre aux artistes de larges possibilité pour réaliser leurs œuvres.

Les photographies de Susana Dobal présentées à la Galerie Depardieu dans le cadre de l’exposition « Deux artistes brésiliens à Nice », ont été réalisées au cours d’une année en France. Elles sont le produit d’une expérimentation avec le langage photographique. A partir de phrases apparemment aléatoires, s'ébauche un lien entre les voyages en train et les fragments de texte. Un ruban bleu, d’un bleu (outremer) qui semble cher à la culture française, suggère une continuité entres les voix et les lieux. Ce bref récit sur la France s’appuie sur la possibilité de construction de sens à partir de simples bribes. Ce qui est en question ce n’est pas l’espace physique, mais une culture diffuse qui prend corps par les voix entendues dans les rues, les bars, les métros, des mots lus dans les annonces et les journaux.

Dans ses recherches d’inclusion du texte dans l’image, Susana Dobal a antérieurement réalisé des travaux avec des moyens analogiques – la France, l’Italie et la ville de New York ont été le thème d’autres séries déjà exposées qui liaient le texte et l’image sans l’aide de l’ordinateur. Pour cette série, et pour une réalisation antérieure sur le Portugal, elle a travaillé avec l’aide d’un logiciel pour l’inclusion du texte dans les photographies. Son projet de documentation expérimentale de différents lieux a commencé à New York, où elle a réalisé son master au International Center of Photography (ICP/NYU) et son doctorat en histoire de l’art à CUNY. Initialement, ses images étaient analogiques, mais l’aide du logiciel lui a permis d’approfondir ses expérimentations tout en s’éloignant du réalisme traditionnel auquel la photographie a toujours été liée. Actuellement, Susana Dobal est professeur à l’Université de Brasilia en année sabbatique en France.

 

 

« Deslocamento » :

 

As fotografias de Susana Dobal apresentadas na Galeria Depardieu como parte da exposição « Deux artistes brésiliens à Nice », foram realizadas durante um ano na França e são o produto de experimentações com a linguagem fotográfica. A partir de frases aparentemente aleatórias, constrói-se um elo entre viagens de trem – “Deslocamento” é o nome da série), e fragmentos de textos. A fita azul, de um azul ultramarino caro à cultura francesa, sugere uma continuidade entre vozes e lugares. Este breve relato sobre a França apóia-se na possibilidade de construção de sentido a partir de meros fragmentos. O que está em questão não é o espaço físico francês, mas uma cultura difusa que se materializa nas vozes ouvidas nas ruas, bares, metrôs, nas palavras lidas em anúncios e em jornais.

Na sua busca de inclusão do texto na imagem, Susana Dobal realizou anteriormente trabalhos com meios analógicos – a França, a Itália e a cidade de Nova Iorque foram temas de outras séries já expostas que uniam texto e imagem sem a ajuda do computador. Para a série Déplacement (Deslocamento) exposta na Galeria Depardieu, e para uma realização anterior sobre Portugal, ela trabalhou com a tecnologia digital para a inclusão do texto nas fotografias.

Seu projeto de documentação experimental de diferentes lugares começou com Nova Iorque, onde S. Dobal realizou o seu mestrado no International Center of Photography (ICP/NYU) e seu doutorado em história da arte na CUNY. Inicialmente suas imagens eram analógicas (séries anteriores sobre NY, Itália, e França), mas a tecnologia digital permitiu-lhe aprofundar suas experimentações ao mesmo tempo em que continuou a se afastar do realismo tradicional ao qual a fotografia sempre esteve relacionada.

Atualmente Susana Dobal é professora da Universidade de Brasília fazendo um pós-doutorado em Paris com bolsa da CAPES-Ministério da Educação. Um dos seus trabalhos (« Mundo ») pode ser visto no site zonezero

http://www.zonezero.com/exposiciones/fotografos/dobal/index.html

 

 

Galerie Depardieu

64 boulevard Risso face au MAMAC

06300 Nice – France - Tél. [phone]

[e-mail] – http:/www.galerie-depardieu.com

Tramway : arrêt Garibaldi - parking du Théâtre National de Nice

Elisabeth Barrett Browning

PARUTION

Quatrième de couverture

 

Sonnets portugais

Elizabeth Barrett Browning

 

 

Elizabeth Barrett écrit les Sonnets portugais pendant les vingt mois qui séparent la première lettre reçue de Robert Browning, le 10 janvier 1845, de leur mariage en septembre 1846. Elle attendra plusieurs années avant de les montrer à son mari. Aussi célèbres en Angleterre que les sonnets de Shakespeare, ces poèmes d’amour appartiennent pleinement au mythe, et c’est à ce titre que Rilke ira jusqu’à apprendre l’anglais pour les traduire. Claire Malroux écarte le voile de la légende, et montre que l’authentique poète qu’était Elizabett Barrett « ne s’est pas perdu dans la femme ». Ces Sonnets sont le lieu d’une conversion : elle doit y chasser la mort et la résignation dans laquelle se complaisait jusque-là sa poésie, pour faire place à l’avènement d’un sentiment vrai, partagé, charnel. D’où la modernité de ces poèmes, traversés de nombreux mouvements, interrogations, contradictions sous le frémissement desquels la rigidité de la forme se défait, le langage corseté se délie. Le goût de la sensation vraie, qui se traduit par une grande liberté et audace de parole, fait d’elle une iconoclaste consciente (Virginia Woolf).

 

Editions Le bruit du temps

 

 

Édition bilingue

Traduction nouvelle

et présentation de Claire Malroux
suivie de trois poèmes d’Emily Dickinson en hommage à Elizabeth
et d’une étude de Claire Malroux

sur la traduction des Sonnets

Format : 117 x 170
156 pages • 13 euros
ISBN : 978-2-35873-006-8
Mise en vente : 22 mai 2009

 

 

Pablo Picasso aux Baux de Provence

*

 

jusqu'au 3 janvier 2010

Picasso participait au tournage du "Testament d'Orphée" à Cathédrale d'Images, il y a cinquante ans. En 2009, c'est au tour de Cathédrale d'Images de lui rendre hommage.

 

LES REALISATEURS

Gianfranco Iannuzzi

Artiste multimédia

Sociologue et photographe de formation, sa création artistique est fondée sur l’image, le son et la lumière. Gianfranco aménage et réinvente des lieux existants, en extérieur comme en intérieur, où il crée à chaque fois une installation qui valorise et transforme l’espace de façon éphémère. Il y dessine de nouveaux environnements au cœur duquel le spectateur peut évoluer à son gré. L’utilisation des technologies de pointe dans les domaines du multimédia, favorise cette participation active du public sur l’œuvre artistique. Depuis de nombreuses années, il réalise des spectacles sur les 5000 m2 de surface de CATHEDRALE D'IMAGES. Aujourd’hui, de nouveaux projets le conduisent à développer une nouvelle approche des sites sur lesquels il s’exprime. En Europe, il investit des sites urbains à Bari, à Narbonne ou à Paris, pour la création d’œuvres globales de déambulation image-son-lumière. Au Liban où il réalisera un nouveau musée virtuel. Au Japon, où il est représenté par « Apollonia Corporation » il est appelé à investir et aménager de nouveaux espaces pour ses créations artistiques. Une présentation interactive de ses dernières réalisations est disponible sur www.gianfranco-iannuzzi.com.

Renato Gatto

Vocaliste

Renato réalise un parcours personnel didactique centré sur le rapport corps-voix, geste-son. Depuis 1986, il enseigne la technique vocale dans les plus prestigieuses écoles de théâtre italiennes. Enseignant et interprète du « Projet Didactique du théâtre de la Fenice » de Venise, il dirige l’Accademia Teatrale Veneta, école pour la formation professionnelle de l’acteur.

Massimiliano Siccardi

Vidéaste, artiste multimédia

Massimiliano a développé une activité de recherche et de production intégrant les nouvelles technologies dans les domaines de l’image, du son et de la vidéo. Il travaille sur l’intégration de l’image dans des performances artistiques.

Marco Melia

Musicien compositeur

Marco crée des bandes-son de spectacles audiovisuels en particulier pour la danse classique et contemporaine.

Site Cathédrale d'images

Dossier de presse à télécharger :

dossier2009.pdf

Mina Loy (1882-1966)

 

 

Il n’y a pas d’amour seul

sur le site Terres de femmes

 

Revue POINT BARRE

POINT BARRE

NUMÉRO 7

APPEL À CONTRIBUTIONS

 

Le prochain numéro de la revue de poésie Point barre sera dédié à la mort, et aura pour titre :

« Six pieds sous terre »

 

Les propositions, en français, anglais ou créole, inspirées du titre susmentionné et d’une longueur maximale de 50 vers, seront adressées en pièces jointes au comité de lecture à l’adresse électronique suivante : [e-mail]. Chaque auteur ne proposera qu’un texte (obligatoirement inédit).

 

La date limite pour les envois est le 15 juillet 2009  (sortie du numéro 7 en octobre 2009).

 

Les sommaires des numéros précédents peuvent être consultés en ligne

 

 

NUMERO 6

Publiée par Cygnature Ltée avec le soutien du Centre culturel français Charles Baudelaire et de l’Ambassade de France, la revue mauricienne de poésie Point barre a été créée en octobre 2006 par Ming Chen, Christophe Cassiau-Haurie, Jean-André Viala, Yusuf Kadel, Umar Timol, Alex Jacquin-Ng, Gillian Geneviève et Azna Kadel.

 

Direction : Ming Chen

Coordination : Yusuf Kadel

Comité de lecture : Michel Ducasse, Alex Jacquin-Ng et Christophe Cassiau-Haurie

Illustrations originales (pour les numéros précédents) : David Constantin, Eric Koo et Gabrielle Wiehe

Révision et corrections : Michel Ducasse

Conception graphique : Azna Kadel

Leonardo Lucchi

Né en 1952 à Cesena, Italie.

Vit et travaille près de Bologne, Italie.

 

Etudes à l’Ecole d’Art de la céramique de Faenza, Italie.

Le fauteuil rouge (détail) - 26x24x43 cm

Jeune fille au hamac - 30x28x68 cm

  

10 Rue de la Trinité. 31000 Toulouse. Tel : [phone] – Fax : [phone]

www.galeriealaindaudet.com    -     email : [e-mail]

Claude Darras

Critique d’art et de littérature, Claude Darras, né en 1948, a été Maître de Conférences à l’Université de la Méditerranée (Aix-Marseille II) où il a dirigé l’enseignement de la presse écrite à l’Ecole de Journalisme et de Communication de Marseille. Formateur au sein d’un programme Med-Media de la Commission Européenne, il a enseigné en Europe, dans les pays du Maghreb et au Proche-Orient. Il poursuit aujourd’hui une activité éditoriale tournée vers les arts et la littérature dans des revues d’art, de lettres et de sciences humaines liées notamment au monde universitaire et à l’école des hautes études en sciences sociales.

 

Ateliers du Sud - L'Esprit des lieux

Photographies de Maurice Rovellotti

Edisud, 2004

Les vingt-quatre artistes de l’ouvrage " Ateliers du Sud – L’esprit des lieux ", issus d’écoles, de courants et de styles très différents, participent d’une semblable annexion d’espaces que l’écrivain Claude Darras et le photographe Maurice Rovellotti ont cherché à mieux connaître. Maurice Rovellotti n’illustre pas Claude Darras, pas davantage que Claude Darras ne glose sur les portraits de Maurice Rovellotti. Entre la plume et l’objectif, il n’y a pas d’équivalence et de traduction. Il y a deux langues qui modulent les accents d’une émotion jumelle face aux univers singuliers d’artistes français et étrangers que relie parfois l’unique particularité d’être conçus plus ou moins complètement dans le Sud de la France. Sans prétendre résoudre les interrogations existentielles des vingt-quatre peintres et sculpteurs, le présent ouvrage a permis aux auteurs d’entrer avec eux dans un heureux commerce d’esprit et de sensibilité dont la critique et l’histoire négligent trop souvent d’admettre la fécondité. En sorte que ces belles histoires de vie et de passions se doublent de véritables monographies. Le caractère de ces " Carnets d’artistes ", qui ont nécessité vingt mois de patients travaux, est surtout universel : il délaisse la " ligne droite " de la pensée critique dans ses curiosités, campant résolument au centre d’une rose des vents qui s’ouvre sur des cultures et des modes d’expression multiples.  Source

 

Au fil du temps, j’ai acquis la conviction que le langage esthétique impose à l’écrivant de se situer au croisement d’un réseau multidisciplinaire où dialoguent sciences humaines et philosophie de l’art. La condition de « passeur d’artistes » requiert, en effet, une palette de connaissances insoupçonnées. D’une certaine façon, elle procède d’une action militante et complexe. Car elle est à la fois attention, regard, écoute, dialectique, travail des sens et de l’intelligence ; elle voue à l’admiration éclairée et au discernement pertinent une fonction pédagogique qu’il est vital de favoriser pour rapprocher l’art contemporain de tous les publics. (Claude Darras, Avant-Propos, « Passeur d’artistes »).

 

 

Ateliers du Sud - L'aventure intérieure

Photographies de Maurice Rovellotti

Editions Gaussen, 2008

 

Les éditions Gaussen ont publié leur premier ouvrage en avril 2008. Le premier titre, Ateliers du Sud, L'Aventure intérieure, est un recueil de monographies d'artistes (24 artistes du Midi) réunies par Claude Darras.

Pendant deux ans, Claude Darras s'est entretenu avec vingt-quatre artistes ayant établi leur atelier dans le Sud méditerranéen pour en connaître l'individualité et son double, l'oeuvre.
Porté par un puissant désir de découverte, il a recherché les traces de l'aventure intérieure de ses interlocuteurs, créateurs français et étrangers issus d'écoles, de courants et de styles différents.

Maurice Rovellotti signe ici le second volet du portrait sensible de la création contemporaine dans le Sud de la France.

 

 

Prochainement

 

Joseph Alessandri ou la face cachée de l’ombre, monographie du peintre Joseph Alessandri, avec le photographe Jean-Éric Ely, éditions Autres Temps, 2009

Les Trois Fous de Saint-Rémy, avec le photographe M. Rovellotti, monographies croisées des artistes Jan van Naeltwijck, Pierre Pinoncelli et Jean Verame, 2009

Gertrude Käsebier

Photographe américaine (1852-1934)

The Sketch. 1902. Beatrice Baxter Ruyl in Newport, Rhode Island.

8x10 inch dry plate glass negative.

The Picture Book. 1903, Vintage platinum print, 6.25 x 8.25 in. (159 x 210 mm), on original paper mount., Illustrated: Camera Work, April 1905, Plate II, and Michaels: Gertrude Kasebier, plate 64. The sitters are Beatrice Baxter Ruyl and Charles O'Malley. v1188c.

Laurent Septier

Exposition du 25 au 30 mai

Galerie du Tableau

37 rue Sylvabelle 13006 MARSEILLE           

 

Une certaine manière de prendre son temps

 

 

 

La vue est une très fine photographie

Imperceptible, sans doute, si l’on se fie

À la grosseur de son verre dont le morceau

Est dépoli sur un des côtés, au verso ;

Mais tout enfle quand l’œil plus curieux s’approche

Suffisamment pour qu’un cil par moments s’accroche.

 

Raymond Roussel

La Vue

 

 

L’image latente n’existe plus avec la photographie numérique, il n’y a plus de point aveugle, ce qui est capté l’est sous nos yeux et mieux encore, comme dans une mise en abîme, il nous est possible sur le lieu même de nous transporter à l’instar de Raymond Roussel, dans la vue que nous venons de prendre. De nous arrêter sur des détails suspendus que l’œil n’avait pas su ni même pu capter; non seulement il est possible de circuler dans l’image, mais en l’agrandissant très fortement sur ce petit écran aux couleurs si vives, d’y pénétrer au plus près, dans une sorte d’apnée. Mais ce n’est pas cet apparent paradoxe - être à la fois dans le réel et dans son image - qui est troublant, c’est qu’au fur et à mesure de cette approche, ce que l’imaginaire permettait à Raymond Roussel de saisir indéfiniment trouve ici sa limite dans la raison technique de l’image numérique : le pixel.

 

Il y a dans cet agrandissement progressif un entre-deux, un instant et une distance justes⁽¹⁾, où l’image n’est déjà plus vraiment nette, où apparaît à l’œil, même le moins exercé, quelque défaut : l’envahissement d’un visage par une couleur semblant glisser, la disparition d’une main, un flou bizarre, des effets de granulation qui font apparaître la substance même (si l’on peut dire) de l’image, sans pour autant que cette altération soit un frein à l’engouffrement de notre imaginaire confronté à ce réel qui fut là. Avant cet entre-deux, l’image est une simple photographie, au-delà elle devient un banal jeu de pixels - mais, dans cet intervalle où elle est juste un peu “attaquée”, comme “piquée” par le temps ou l’usure et où elle est cependant encore image, se trouve une sorte de vibration qui rend curieusement les personnes, les objets, les lieux, très présents, comme vivant de cette légère et incertaine pulsation.

 

La photographie se relâche ici comme, dans les restaurants, les conventions au demeurant assez complexes en Chine se relâchent, parfois le temps d’un clin d’œil, en révélant de nouvelles connivences. Les deux temps se rejoignent dans ces images.

 

Ces recadrages très serrés et sur le point de se dissoudre dans leur peu de matière, de disparaître comme éclate une bulle de savon, n’ont rien de spectaculaire. Ils témoignent à peine mais portent notre attention vers quelque chose à la fois très présent - suspendu dans cette durée hallucinatoire, comme un ralentissement, un glissement - et très déréalisé par son apparence fragile : détails troublants à la limite du visible, qui ne nous apportent aucun savoir, aucune certitude, mais simplement une vision légèrement décalée, déplacée, une certaine manière de prendre son temps.

 

 

 

 

(1) Sans savoir exactement pourquoi, mais avec cette certitude déjà décrite par exemple par Zhang Yanyuan, un peintre chinois de la dynastie Tang, qui écrivait “[la peinture] devient ce qu’elle est, sans que l’on sache pourquoi elle est bonne”.

 

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Site

 

 

JOHN BERGER

 

 

■■■ JOHN BERGER

John Berger – (Photo de Jean Mohr)

Peintre autant qu’écrivain, John Berger est né à Londres en 1926.

 

 

Editions Champ Vallon

 ■ Et nos visages, mon cœur, fugaces comme des photos

Essai – 1993 (Traduit de l'anglais par Katia Berger-Andreadakis)

 

 

 

Sans écrire réellement un livre de confessions, Berger met à nu son cœur dans ce volume dense et court, sorte d’album de méditations en prose, d’extraits de journaux et de poèmes, fugaces comme des photographies. Si l’art y est mêlé, à travers des incursions brillantes dans l’œuvre de Van Gogh, Rembrandt et Le Caravage, le livre est largement poétique et philosophique, tendu par des questions et des expériences si simples — l’amour, le déracinement, le temps, l’absence — que nous ne savons presque plus les «voir» dans nos propres vies.

Le livre sans doute le plus personnel et le plus émouvant de John Berger.

 

■ Fidèle au rendez-vous

Essai - 1996

 

 

SONATES : dans le sens de faire sonner la lettre, la faire sentir (selon la définition de Larousse), et pour faire entendre SONNET que j'utilise sans les contraintes prosodiques classiques. Faire sentir, entendre, voir le débraillé, l'incontinence du visible, ces et cetera, ces en verve, ces injonctions à l'Eros, faire se cabrer dans les mots cette matérielle grandeur du monde, chantée par Lucrèce, afin comme le dit Merleau-Ponty, d'y faire venir cela même qui lui est le plus étranger : un sens.

 

 

■ L’oiseau blanc

Essai – 2000 (Traduit de l'anglais par Anne et Michel Fuchs et Serge Grunberg)

 

Le critique d'art et écrivain John Berger aborde ici les questions fondamentales posées par les arts plastiques.

Lorsqu'il parle du cubisme, il ne parle pas seulement de Braque, de Léger, de Picasso ou de Juan Gris, mais aussi de ce moment, au début du vingtième siècle, où le monde s'est rassemblé autour d'un formidable sentiment de promesses en l'avenir. Quand il étudie l'oeuvre de Modigliani, il voit dans l'étirement des formes du modèle l'infini de l'amour humain.

Cheminant librement de la Renaissance à l'explosion atomique de Hiroshima, des rives du

Bosphore aux gratte-ciels de Manhattan, des sculpteurs sur bois d'un village savoyard à Goya, Dürer ou Van Gogh, et embrassant aussi bien le sentiment personnel de l'amour et de la perte que les bouleversements politiques majeurs de notre temps, L'Oiseau blanc démontre une fois de plus la singularité de John Berger.

 

L’Arche Editeur

 

 

 

■ Au regard du regard

Essai - 1997

 

La révolution technologique, qui a commencé avec la Renaissance mais qui n'a pris toute sa dimension révolutionnaire qu'au début du XIXème siècle, a non seulement bouleversé notre rapport à la nature, mais également notre manière de regarder. L'invention de la photographie qui permet la "reproductibilité des objets", le cinéma, et encore davantage la télévision et la vidéo, ont eu des conséquences considérables sur notre perception des choses (naturelles ou pas), des animaux et des êtres humains. On regarde les femmes sculptées de Rodin, la solitude d'un Giacometti traversant sous la pluie, quelques mois avant sa mort, une rue à Montparnasse. On contemple Courbet et le Jura, Francis Bacon et Walt Disney. Et ce n'est pas tout, loin de là. Les considérations auxquelles se livre John Berger sont étonnantes ; et calmement mais sûrement, il arrive à changer notre regard.

 

 

 

De A à X
John Berger
Editions L'Olivier, 2009
Traduit de l'anglais par Katya Berger Andreadakis

 

 

 

 

 

 

Cliquer ci-dessous :

Champ-Vallon

Arche-Editeur

Editions de l'olivier

 

La petite librairie des champs et James Joyce

" L’âme de l’objet le plus commun dont la structure est ainsi mise au point prend un rayonnement à nos yeux. L’objet accomplit son épiphanie ". James Joyce

 

La petite librairie des champs organise le 16 juin le BLOOMSDAY dans  le village de BOULBON (13 150). Nous vous donnons rendez-vous sur la place du village vers 18h30-19h  près de la fontaine. Nous déambulerons de cet endroit jusqu'à la grand rue, et notamment  jusqu'à la Boucherie tenue par Monsieur et Madame PAOLI, puis nous  monterons dans le vieux village au pied du château.

Notre parcours sera parsemé de lectures d'extraits d'ULYSSE de James JOYCE, et ce dans plusieurs langues. Il durera à peu près 1h30. Si l'aventure vous tente, amenez votre livre, et choisissez le passage que vous aimez, et que vous avez envie de partager. Les musiciens sont également les bienvenus pour nous accompagner avec leur instrument. Nous clôturerons la soirée avec un repas tiré du sac et un pique-nique au moulin, si le temps le permet.

 

Sylvie DURBEC

Catherine SAISON

LA PETITE LIBRAIRIE DES CHAMPS

le moulin brûlé

13 150 BOULBON

Henri Meschonnic

Henri MESCHONNIC

 

De monde en monde

 

Couverture de Françoise Bissara-Fréreau

Collection Cahiers d'Arfuyen n°178

 

 

     Après Puisque je suis ce buisson (2001), Tout entier visage (2005) et Et la terre coule (Prix de Littérature Francophone Jean Arp 2006), De monde en monde est le quatrième ouvrage d’Henri Meschonnic que publient les Éditions Arfuyen.

     « un arbre pousse dans mon attente / je suis pris entre / ce que j’attends et ce qui  / m’attend et le temps est ce  / que tu fais de moi ce que / je fais de toi / notre temps / est le monde ». D’un vers à l’autre, d’un thème à l’autre, la parole d’Henri Meschonnic est d’une fluidité toujours plus étonnante, mais cette coulée de la langue, faite de reprises, d’enjambements, d’assonances, reste toujours sous tension, ne s’égare jamais.

     Le poème de Meschonnic semble fait de mots allant à l’aventure, d’où leur fraîcheur, leur souplesse, leur humour malicieux. Mais, peu à peu, c’est tout un paysage mental qu’ils font apparaître, sans que l’on sache d’où ni comment. Le monde naît mot à mot sous nos yeux et le poète semble le premier à s’en étonner : « je ne parle pas mes mots / ce sont mes mots qui me disent / et qui me réconcilient / avec tout ce que je ne connais pas ».

     Mais aussi rapide soit la langue, la vie va plus vite encore, et c’est comme une course incessante : « je ne cours pas après la vie c’est elle / qui me croise et me recroise  / à chaque regard chaque rencontre / j’en ai dans toutes mes mains / je la crie de tous mes yeux  / et elle s’endort dans mes bras / j’en perds le compte du monde / je ne fais plus de différence  / entre la mémoire et  / l’oubli ».

     Il faut donc toujours recommencer, la partie n’est jamais gagnée : « chaque moment je recommence / le désert / je marche chaque douleur un pas / et j’avance / de monde en monde ». Coulée de langue comme une ivresse, comme une course, comme une dépossession : « et nous roulons dans le monde / comme des galets dans la mer / comme on rêve / d’oublier / que chaque instant est du sang  / que d’autres d’autres  / coulent de nous ». Écrire, encore, à perdre haleine.

 

 

 

Texte © Editions Arfuyen

 

 

 

Sur le site arfuyen

 

Biographie Bibliographie Revue de presse Petite anthologie

H.D. (Hilda Doolittle)

Je fus, disais-je, instruite en écriture

mais j’en avais seulement entendu parler

[…]

Je ne fus pas séduite

Je ne fus pas instruite

Ni invitée à pénétrer le sens du hiératique

mais quand l’oiseau ulula en passant

ce soir-là

il me sembla que je savais l’écriture

 

comme si Dieu avait fait l’image

et l’harmonisait

avec un hiéroglyphe vivant

 

(Palinodie, II, 3.)

 

 

Les murs ne croulent pas sur le site Terres de femmes

 

Pasolini, mort d'un poète (film)

Drame - 1996
de Marco Tullio Giordana
avec Carlo DeFilippi, Nicoletta Braschi, Toni Bertorelli, Andrea Occhipinti, Victor Cavallo

Vème poème posthume de P.P. Pasolini

Chaque jour est le dernier

dans l’étonnement de la touffeur matinale,

des fraîches voix : et à quoi sert

d’être clair, au-dedans de soi-même, pour l’éprouver

dans l’extension complète de son temps

si l’heure de la vie est toujours la dernière ?

L’avoir trop éprouvée, et ainsi

consommée : voilà pourquoi je vis dans le miracle

de la voir encore intacte. Personne

ne sait plus que moi la goûter avec autant d’enfantin

et féminin abandon, mais personne

ne ressent plus que moi cette joie vierge

comme un sacrilège.

 

 

Ogni giorno è l’ultimo

nello stupore dell’afa mattutina,

delle fresche voci : e a cosa importa

essere chiari, dentro, per soffrirla

nella intera estentione del suo tempo

se l’ora della vita è sempre l’ultima ?

L’averla troppo sofferta, e quindi

consumata : ecco perché vivo nel miracolo

di vederla ancora intatta. Nessuno

sa più di me goderla con tanto infantile

e femminile abbandono, ma nessuno

sente più di me quella vergine gioia

come un sacrilegio.

Les funérailles de Pier Paolo Pasolini (1975)

 

 

 

 

Pasolini reste et restera un météore du cinéma contemporain, vrai « calme bloc ici-bas chu d’un désastre obscur ». Comme l’écrit un autre de ses commentateurs, Dominique Noguez, il y a désormais un mot qui dit bien « ce mélange de réalisme et de mythologie imaginaire, de sculpture moderne et de fausse préhistoire, toute cette féerie sous-prolétarienne, ce bric-à-brac de tiers-monde, cet exotisme hétéroclite et superlatif, ce style d’Eisenstein marocain ou de Fellini de banlieue ouvrière. Ce mot n’existait pas avant Pasolini. Il existe désormais : pasolinien ».

Dictionnaire du cinéma, sous la direction de Jean-Loup Passek, Larousse, 1995 - p.1647

 

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par Guidu Antonietti di Cinarca

 

Architecture funéraire

Gino VALLE et Piero Paolo PASOLINI

Discrète sérénité

 

Roberto Roversi sur Pasolini

Us et abus d’un auteur : célébration, honorariat, embaumement

E X T R A I T S

 

 

 

 

 

 

Roberto Roversi

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« De qui sommes-nous les contemporains ? », se demandait F. Fortini, avec toute l’autorité nécessaire, dans le Corriere della sera du samedi 12 février 1976.

 

Sans avoir la présomption de répondre ou de répliquer, mais ne voulant que constater, je dirais que nous sommes toujours et en tous cas les contemporains de nous-mêmes. Je dirais que les misères d’aujourd’hui existent et durent parce que nous sommes misérables, et parce que nous produisons et nourrissons les fœtus de ces misères. Je dirais que si nous vivons dans l’ère d’Attila (ou si nous vivons dans notre temps, car il n’y a aucune différence entre les Huns déchaînés et les maîtres de nos trente années de dévastations), il est inutile de regretter l’âge d’Auguste. En admettant qu’il ait jamais existé un âge d’Auguste.

 

Je dirais que nous devrons reconnaître, avec la patience éprouvée de la raison, que c’est là notre temps, et qu’Attila, peu ou prou, c’est chacun de nous.

 

D’ailleurs, pourquoi est-ce toujours les autres qui auraient des visages pervers, tandis que nous serions sages, bons, clairvoyants, comme des légions d’Auguste ? Voilà pourquoi aujourd’hui on se sert encore du poignard, dans tous les sens. Voilà pourquoi les valets de scène se transforment, ne serait-ce que l’espace d’une nuit, en ces sicaires que nous connaissons. Dans la représentation de ces années se jouent – et on enregistre – des violences auxquelles nous ne parvenons pas à mettre fin, pour toute une série de raisons objectives et constatées.

 

Contentons-nous de continuer, en nous lamentant sur les choses qui arrivent ; ou bien de célébrer les morts, qu’on a tués, eux qui étaient vivants.

 

L’occasion (on pourrait dire aussi : la raison) de cette rencontre c’est de nous entretenir de l’un de ces assassinés – avec une mort horrible, une fin désignée et destinée.

 

(…)

 

La tendresse vitale de Pasolini a été sans cesse en butte à l’arrogance d’une époque qui ne le supportait pas. Il est en effet incontestable que Pasolini fut ostracisé par son époque. Il fut même maintenu dans l’exclusion et sans cesse réfuté avec une dureté haineuse, chaque fois qu’il proposait un contact ou des ouvertures désintéressées pour une collaboration, en mettant en jeu sa recherche douloureuse et déçue de la connaissance (ou sa rage de connaissance). Il est vrai, par ailleurs, que Pasolini subit cette exclusion sans jamais l’accepter ; il ne l’accepta pas mais il adhéra tout entier à la douleur sans cesse renouvelée de cette exclusion, comme à une violente offense beaucoup plus générale, qui le dépassait et qui était faite à la raison et à la pureté (entendue comme jeunesse) de la vie.

 

(…)

 

« Le fond de mon caractère – dit Pasolini dans un entretien avec Camon – ce n’est pas le malaise, mais plutôt la gaieté, la vitalité : c’est ce que je montre non seulement dans mon œuvre littéraire mais dans ma vie même. Par vitalité, j’entends cet amour de la vie qui coïncide avec la joie. Et ma nature profonde est joyeuse, vitale, affectueuse : ce sont les continuelles angoisses objectives auxquelles j’ai dû faire face qui ont exaspéré les aspects de mon malaise ».

 

(…)

 

Au début de cet écrit j’ai souligné une question : l’usage et l’abus que notre temps fait des personnages illustres, mais sortant de la norme codifiée, en les cuisinant et en les servant à toutes les sauces, tellement et si bien que la manipulation, parfois, n’apparaît même pas évidente, alors que les personnages en question sont privés de leur consistance et réduits en miettes. De nos jours, l’usage est instrumental et de plus en plus terrifiant en tous sens. On ne recherche pas un agrégat culturel, mais la confirmation de telle ou telle mythologie publique.

 

(…)

 

Il serait souhaitable que l’on prenne acte de la nécessité de ramener le discours sur Pasolini, et les références, à un dessein correct, afin de le relire (ou de commencer à le relire) à travers une médiation critique non plus assujettie aux aversions, ni hagiographique, mais méthodologiquement vérifiée et contrôlée par l’intelligence de la raison. Pour qu’on puisse saisir dans son œuvre les liens subtils, les références, les provocations, et certaines conclusions qui apparaissent explosives.

 

Pasolini n’a pas été un intellectuel qui s’est approprié la culture mais un homme qui a vécu les problèmes de la culture de son temps en y participant jusqu’à en mourir. Cela définit aussi sa violence, je voudrais dire son infatigable férocité dans l’agression du réel, sa faim de réalité et de vérité vraie – son besoin de la chercher. Et aussi son excès de vitalité. Et son insatiable soif de langages.

 

REVUE D’ESTHETIQUE, 1982 – nouvelle série – n°3 – Editions Privat (pp. 111/117)

Traduit de l’italien par Anna Rocchi Pullberg

 

 

Le cinéma de Pasolini

Pasolini dira en 1964 : "… je suis arrivé au cinéma… à partir de la littérature, sans la moindre préparation technique… lorsque j’ai commencé à tourner le film, je ne connaissais pas la différence qu’il y a entre le terme “panoramique” et le terme “travelling”… j’ai dû remplacer la préparation pratique de la technique du cinéma en réinventant cette technique, en l’inventant d’après nature. Instinctivement, j’ai choisi un certain type de technique… où on lit, mieux que dans les contenus, … une intime religiosité, car je concevais la technique d’une manière que je voulais appeler… sacrale… Je sentais que mes travellings… avaient une allure de découverte, de virginité, de solennité et de mesure, lesquelles, au moins dans mon intention, étaient justement sacrales".

 

REVUE D’ESTHETIQUE, 1982 – nouvelle série – n°3 – Editions Privat (p. 141)

Carnets de notes pour une Orestie africaine

 

Pasolini sur le tournage du film dont la première projection a lieu à Venise en 1973.

Carnets de notes pour une Orestie africaine est davantage qu'un film une sorte de réflexions sur le cinéma.

 

 

 

SITE PASOLINI

Pier Paolo Pasolini avec Sandro Penna

Photo : Mario Dondero

Site officiel Pasolini